Movimiento de Arte Moderno – Historia, Artistas y Obras de Arte

¿Qué es el Arte Moderno?

El arte moderno es un período de la historia del arte entre finales del siglo XIX y mediados del siglo XX que abarcó muchos estilos diferentes, en pintura, escultura, artes decorativas y arquitectura. Se cree que el arte moderno comenzó con el impresionismo en 1870 y continuó a través de varios estilos, incluidos el posimpresionismo, el fauvismo, el expresionismo, el cubismo, el futurismo, el dadaísmo, el surrealismo, el expresionismo abstracto y terminó con el arte pop en la década de 1960.

Obras famosas del arte occidental moderno

 The Saint-Lazare Station. 1877. Claude Monet. Musée d’Orsay, Paris, France.

La estación de Saint-Lazare. 1877. Claude Monet. Museo de Orsay, París, Francia.
 Luncheon of the Boating Party. 1881. Pierre-Auguste Renoir The Phillips Collection, Washington D.C.

Almuerzo de la Boating Party. 1881. Pierre-Auguste Renoir Colección Phillips, Washington D.C.
La clase de baile. (1874). Edgar Degas. Museo Metropolitano de Arte, Nueva York.
La clase de baile. (1874). Edgar Degas. Museo Metropolitano de Arte, Nueva York.
Un domingo en La Grande Jatte -1884 (1884-1886) George Seurat. El Instituto de Arte de Chicago.
Un domingo en La Grande Jatte -1884 (1884-1886) George Seurat. El Instituto de Arte de Chicago.

 

Girasoles (1889) Vincent van Gogh. Museo Van Gogh, Ámsterdam (Fundación Vincent van Gogh).
Girasoles (1889) Vincent van Gogh. Museo Van Gogh, Ámsterdam (Fundación Vincent van Gogh).
La noche estrellada. 1889. Vincent Van Gogh. Museo de Arte Moderno, Nueva York.
La noche estrellada. 1889. Vincent Van Gogh. Museo de Arte Moderno, Nueva York.
Los jugadores de cartas. (1890-1892) Paul Cézanne. El Museo Metropolitano de Arte, Nueva York.
Los jugadores de cartas. (1890-1892) Paul Cezanne. El Museo Metropolitano de Arte, Nueva York.
Los Grandes Bañistas. (1900-1906) Paul Cézanne. Museo de Arte de Filadelfia.
Los Grandes Bañistas. (1900-1906) Paul Cezanne. Museo de Arte de Filadelfia.
¿De dónde venimos? ¿Que somos? ¿A dónde vamos? (1897-1898) Paul Gauguin. El Museo de Bellas Artes de Boston, Massachusetts.
¿De dónde venimos? ¿Que somos? ¿A dónde vamos? (1897-1898) Paul Gauguin. El Museo de Bellas Artes de Boston, Massachusetts.

Calle, Berlín. 1913. Ernst Ludwig Kirchner. Museo de Arte Moderno, Nueva York.
Calle, Berlín. 1913. Ernst Ludwig Kirchner. Museo de Arte Moderno, Nueva York.
Mujer con sombrero. 1905. Enrique Matisse. Museo de Arte Moderno de San Francisco.
Mujer con sombrero. 1905. Enrique Matisse. Museo de Arte Moderno de San Francisco.
Les Demoiselles d'Avignon. 1907. Pablo Picasso, Museo de Arte Moderno, Nueva York.
Les Demoiselles d’Avignon. 1907. Pablo Picasso, Museo de Arte Moderno, Nueva York.

El estilo del arte moderno

Los historiadores del arte están de acuerdo en que el arte moderno comienza con los impresionistas y termina con el arte pop. Entre estos dos estilos de arte hubo muchos movimientos de arte moderno diferentes y abarcaron nuevos medios visuales más allá de las artes tradicionales, que incluyen:

El comienzo del arte moderno

El arte moderno comienza con la Revolución Industrial a mediados del siglo XIX. El ferrocarril, la máquina de vapor y el metro cambiaron el curso de traer aún más puestos de trabajo a la ciudad. Los habitantes de los suburbios tomaron trenes que se movían rápidamente al trabajo, mientras que los habitantes de la ciudad disfrutaron la tarde del domingo en el campo.

Las poblaciones en las ciudades comenzaron a crecer, especialmente en ciudades como París. En 1853, el emperador Napoleón III encargó al arquitecto y urbanista Georges-Eugène Haussmann la creación de nuevos edificios, la ampliación de las aceras y la creación de parques para el disfrute de la gente. Los pintores estaban allí capturando la vida cotidiana del mundo moderno en lienzo, con ideas frescas.

Arte Moderno Guerra y Comercio

El arte moderno fue influenciado por la guerra con la Primera Guerra Mundial de Europa (1914-1918) y la Guerra Civil Española (1936-1939). Durante la Segunda Guerra Mundial (1939-1945) muchos artistas europeos se fueron a Nueva York, que se convirtió en el centro del arte.

Las caídas económicas con el Lunes Negro y la caída del mercado de valores de 1929 llevaron a la Gran Depresión (1929-1939).

El arte y los pintores reflejaron la nueva realidad moderna de la vida y los artistas exploraron pensamientos y tendencias socialmente liberales en el arte modernista y los nuevos movimientos artísticos.

El papel de Édouard Manet en el comienzo del arte moderno

Édouard Manet (1832-1883) fue el puente entre el Realismo y el Impresionismo. Su impactante cuadro Almuerzo sobre la hierba causó escándalo en el Salón de París, cuando fue expuesto en 1863.

La obra de arte ilustra a dos hombres completamente vestidos haciendo un picnic en el césped, con dos mujeres, una completamente desnuda. Tanto el contenido como la composición fueron tomados de la pintura renacentista Concierto pastoral de Giorgione (1510). Mientras que el trabajo anterior hace una referencia clásica a la literatura antigua, el trabajo de Manet trata claramente sobre la sociedad francesa moderna.

Almuerzo sobre la hierba (1863) Édouard Manet.
Almuerzo sobre la hierba (1863) Édouard Manet.

Édouard Manet era miembro de la clase media alta (burguesía) de París. El artista fue el único de sus contemporáneos que no tuvo que vender sus cuadros para ganarse la vida. Aunque su padre quería que estudiara derecho, Manet todavía prefería el arte. Manet amaba el trabajo de los artistas Courbet, Velázquez y Goya.

“Todo es mera apariencia, los placeres de una hora que pasa, el sueño de una noche de verano. Sólo la pintura, el reflejo de un reflejo -pero también el reflejo de la eternidad- puede registrar algo del brillo de este espejismo.» – Édouard Manet

Impresionismo (1870- 1880)

Los historiadores del arte consideran que el impresionismo es el comienzo de cuando comienza el arte moderno. Con origen en Francia en la década de 1860, el impresionismo continuó hasta finales de la década de 1880. Los impresionistas trabajaron para capturar las escenas de la vida cotidiana de la clase media, centrándose en un solo momento en el tiempo. Los artistas impresionistas descartaron las pinturas en tonos tierra y las pinceladas planas del realismo. Estos pintores optaron por utilizar una paleta más viva, aplicada con toques cortos de color.

Fascinados con la luz natural y el color, estos artistas modernos experimentaron pintando al aire libre, sin el uso de sombras negras o de claroscuro. Las pinturas a menudo se recortaban influenciadas por la fotografía y la era moderna.

Rechazados por el Salón de París, los pintores franceses Édouard Manet, Claude Monet (1840-1926), Pierre-Auguste Renoir (1841-1919) Camille Pissarro (1830-1903), Alfred Sisley (1839-1899), Edgar Degas (1834-1917) ), junto con otras dos docenas organizaron su propia exposición en 1874. Fue el primero de ocho en total que duró hasta 1886. Esto fue impresionante considerando que la «Nueva Pintura», como se la llamó inicialmente, se consideró un fracaso artístico en el mundo del arte durante las primeras décadas.

Impresión de Monet, Amanecer (1872) El Musee Marmottan Monet de París captura el sol naciente anaranjado sobre las aguas grises del puerto de Le Havre, mientras los barcos pasan flotando. Los colores contrastantes crean una iluminación del sol sobre el agua. El nombre de la pintura proporcionó a los críticos la fuente que necesitaban para definir las pinturas que vieron.

En La estación de Saint-Lazare de Monet, ahora en el Musée d’Orsay, en París, el tren, símbolo de la modernidad, se ve empañado por el humo a medida que avanza hacia la estación. La gente espera en la plataforma al aire libre con la arquitectura de Hausmann creando un telón de fondo para la era moderna.

Renoir disfrutó pintando parisinos en su tiempo libre. Luncheon on the Boating Party (1881) es una obra que pintó de sus amigos disfrutando de una comida juntos en un restaurante con vista al agua.

Degas es más famoso por su trabajo artístico al capturar los movimientos de las bailarinas en el Ballet de la Ópera de París, en obras como The Dance Class (1874) con el maestro de ballet Jules Perrot y bailarinas ensayando.

Postimpresionismo (1886-1904)

El posimpresionismo comenzó en 1886, en Francia, luego se trasladó a toda Europa, reflejando el arte en una diversidad de formas. Existía una comunidad en la creación de obras de arte con ideas frescas, en reacción al impresionismo. Postimpresionistas como Vincent Van Gogh (1853 – 1890), Paul Cézanne (1839-1906), Paul Gauguin (1848-1903) y Georges Seurat (1859-1891) utilizaron un estilo poco convencional, incluida la aplicación plana y rápida de pintura, y el uso del color para crear un efecto psicológico. Sin embargo, el trabajo de cada uno de los postimpresionistas fue muy diferente.

Seurat quería añadir ciencia al impresionismo utilizando el color para crear luminosidad, lo que se denominó neoimpresionismo . En A Sunday on La Grande Jatte—1884 , (1884-1886) el artista crea esto usando una mezcla óptica, o colocando dos colores uno al lado del otro, usando pequeños toques de color o puntillismo , para dar la ilusión de un color mezclado.

Para el pintor holandés Vincent Van Gogh, el posimpresionismo tenía que ver con el color, tal como lo retrata en sus obras de lirios, flores y paisajes llenos de trigo. También era un simbolista que quería agregar un significado más profundo a su trabajo.

De todas las flores, amaba los girasoles, que comenzó a pintar cuando se mudó a París. De hecho, los girasoles aparecen en algunas de sus obras más famosas. Pintó una colección de cinco obras de girasoles en un jarrón, mientras vivía en el sur de Francia entre 1888 y 1889. En estas obras, el amarillo se incorpora en muchos tonos diferentes. Van Gogh sintió que los girasoles representaban gratitud.

Girasoles. 1887. Vincent Van Gogh. Museo Metropolitano de Arte, Nueva York.
Girasoles. 1887. Vincent Van Gogh. Museo Metropolitano de Arte, Nueva York.

En La noche estrellada (1889) Van Gogh eligió representar el cielo nocturno. En una carta a Willemien van Gogh, en septiembre de 1888, los artistas escribieron: “A menudo me parece que la noche está aún más ricamente coloreada que el día, coloreada en los más intensos violetas, azules y verdes . Si te fijas bien, verás que algunas estrellas son de color limón, otras tienen un brillo rosa, verde, azul nomeolvides… Está claro que para pintar un cielo estrellado no basta con poner manchas blancas sobre azul. -negro.»

Vincent Van Gogh pinta un paisaje nocturno con trazos arremolinados de colores vivos. El cielo, con la luna amarilla brillante y las estrellas, se convierte en el punto focal debido al horizonte bajo. Aunque vive en Francia en ese momento, el pueblo, con su campanario, es más característico de Holanda, quizás en alusión a su desplazamiento. Obras como ésta tendrían un fuerte impacto en el expresionismo .

Las obras del pintor francés Paul Cézanne cambian según la posición del espectador. De cerca, sus pinturas parecen planas, pero cuando se ven desde más lejos parecen tridimensionales. Los logró usando sombras, o incluso delineando objetos en negro.

Naturaleza muerta con cortina. 1895. Paul Cezanne. Museo del Hermitage. San Petersburgo, Rusia.
Naturaleza muerta con cortina. 1895. Paul Cezanne. Museo del Hermitage. San Petersburgo, Rusia.

En The Card Player s (1890-1892), una serie de cinco obras, Cézanne hizo bocetos de hombres individuales y luego transformó los sujetos en una composición. Mientras que las personas parecen estáticas, la decoración y la ropa que visten parecen estar cambiando.

En su obra artística Las grandes bañistas (1898-1906) Cézanne le da un giro de arte moderno al tema del desnudo femenino clásico. Aquí las mujeres no son diosas de la mitología, sino formas femeninas que han sido alargadas, aplanadas y deconstruidas para formar parte de la composición que imaginó el artista.

¿De dónde venimos? ¿Que somos? ¿A dónde vamos? (1897-1898) es una obra maestra de la obra maestra de Paul Gauguin. La pintura representa el ciclo de niña a mujer, visto a través de la perspectiva femenina de la vida tahitiana. Paul Gauguin había dejado Francia para vivir entre el pueblo tahitiano, de donde se derivó el tema de muchas de sus obras.

Fauvismo (1905-1907)

El fauvismo , un término dado por los críticos de arte franceses, se derivó del término francés fauves, que significa bestia salvaje. Artistas nacidos en Francia como Henri Matisse (1869 -1954) y André Derain (1880-1954) favorecieron los colores primarios brillantes, los colores secundarios y las pinceladas distintivas, produciendo pinturas de paisajes y figuras. Estos artistas encontraron influencias en la exploración de culturas africanas y no occidentales.

En La mujer con sombrero (1905) de Matisse, el artista pinta a su esposa Amelia con colores brillantes y expresivos. Esta fue una nueva forma de pintar un retrato a través del arte modernista.

En Goldfish de Henri Matisse, (1912) en el Museo Pushkin de Moscú, el artista crea una naturaleza muerta en forma abstracta. El pez dorado aplanado y de color naranja vivo se puede ver desde dos lados simultáneamente. Su uso experto de colores complementarios colocados uno al lado del otro funciona para saturar los tonos. Goldfish fue influenciado por los viajes de Henry Matisse a Marruecos, y el pescado que compró para su propia sala de estar después, lo que le dio un elemento intercultural.

The Dance (1910) de André Derain, ahora en una colección privada, combina la influencia de la escultura románica, el arte popular y las influencias de las máscaras africanas, con la audaz paleta de colores del fauvismo, ambientada en un lugar exótico.

Matisse también trabajó con la escultura al principio de su carrera, trabajando continuamente en desnudos femeninos con curvas. En contraste, la escultura de arenisca de Derain Crouching Man, (1907) en el Museum Moderner Kunst, Viena, Derain reduce al hombre a una forma en forma de bloque.

Lea el artículo completo sobre el fauvismo

Expresionismo (1905-1907)

El expresionismo tenía elementos recurrentes que, si bien eran intensamente personales para los artistas, podían atraer al espectador al contexto emocional, a través de imágenes distorsionadas y colores utilizados para provocar reacciones. Los expresionistas no estaban preocupados por la realidad física en el mundo del arte.

Expresionismo: Die Brücke

Se formaron dos grupos en Alemania que ayudaron a definir el expresionismo. Die Brücke (El puente) comenzó en 1905 y fue dirigido por Ernst Ludwig Kirchner (1880 -1938) y también incluyó a los miembros fundadores Fritz Bleyl (1880 -1966), Erich Heckel (1883 -1970) y Karl Schmidt-Rottluff (1884 -1976). ). Al considerarse un puente entre el arte del pasado y el arte del presente, tenían como objetivo fusionar el arte gótico alemán y el medieval, y el desnudo femenino con el expresionismo.

El cartel de la primera exposición Die Brücke, una litografía en color , fue diseñado por Bleyl en 1906. El trabajo que presentaba una forma femenina desnuda parcialmente abstracta, utilizada como expresión de los pensamientos del grupo sobre la sexualidad abierta, se consideró atrevido para el público.

En Kirchner’s Street, Berlín (1913), dos prostitutas, seguidas por un camino de hombres, se alargan y aplanan, en un entorno de fondos urbanos de colores poco naturales, con colores realzados de tonos de piel rosa .

Autorretrato como soldado (1915) Ernst Ludwig Kirchner. Museo de Arte Conmemorativo Allen, en Ohio
Autorretrato como soldado (1915) Ernst Ludwig Kirchner. Museo de Arte Conmemorativo Allen, en Ohio

Autorretrato como soldado (1915) que se exhibe en el Museo de Arte Allen Memorial, en Ohio, es el resultado de la ansiedad que experimentó Kirchner en el ejército. En colores contrastantes de verde, naranja y amarillo, el trabajo, incluido un desnudo, tiene formas angulares y discordantes.

Lea el artículo completo sobre Die Brucke

Expresionismo: Der Blaue Reiter

Mientras tanto, Der Blaue Reiter (El jinete azul), incluidos los pintores Wassily Kandinsky (1866-1944), Franz Marc (1880-1916) y Gabriele Münter (1877-1962), exploraron la abstracción. Kandinsky estaba más conmovido por la música y quería capturar la experiencia auditiva en un lienzo. Vio color en la música en lo que pudo haber sido sinestesia, una condición neurológica que es rara. Su obra Improvisación 28 (segunda versión), pintada en 1912 y conservada en el Museo Solomon R. Guggenheim de Nueva York es un ejemplo de ello.

Cubismo (1908-1914)

Si bien el artista español Pablo Picasso (1881-1973) contribuyó a muchos movimientos artísticos, fue el fundador del cubismo, junto con el artista francés George Braque (1882-1963). El cubismo se clasifica como un estilo de arte que incluye formas geométricas y fragmentadas para permitir que los objetos se vean desde muchos ángulos y puntos de vista.

En Les Demoiselles d’Avignon (Las señoritas de Avignon) de Picasso de 1907, el artista representa prostitutas en formas abstractas, utilizando líneas irregulares, convirtiendo lo que debería considerarse deseable en algo agresivo. Influenciados por las máscaras africanas, los rostros tienen una cualidad primitiva.

Violín y candelabro. 1910. Jorge Braque. Museo de Arte de San Francisco.
Violín y candelabro. 1910. Jorge Braque. Museo de Arte de San Francisco.

Las pinturas cubistas Violín y candelabro (1910) de Georges Braque, así como El portugués (1911) , son dos ejemplos en los que el artista utiliza un tono monocromático para enfatizar la fragmentación.

Leer artículos completos sobre cubismo , cubismo analítico y cubismo sintético

Futurismo (1909-1944)

El futurismo tenía como objetivo expresar la velocidad de la nueva tecnología en aviones, trenes y automóviles. A principios del siglo XX, el poeta italiano Filippo Tommaso Marinetti (1876 – 1944). Otros artistas modernos notables incluyeron a Umberto Boccioni (1882-1916), Carlo Carrà (1881-1966), Giacomo Balla (1871 -1958) y Gino Severini (1883-1966).

Severini trabajó para combinar la pintura con la escultura para dar a las obras una calidad tridimensional. En Bailarín en Pigalle (1912) en el Museo de Arte de Baltimore, en Baltimore, Maryland, el foco es el bailarín en el centro. Creado con pintura al óleo sobre yeso con forma, sobre lienzo, el resultado le da un elemento de remolino a la obra de arte futurista.

Formas únicas de continuidad. (Hecho en 1912 y fundido en 1934) Gino Severini. Museo de Arte Moderno, en Nueva York.
Formas únicas de continuidad. (Hecho en 1912 y fundido en 1934) Gino Severini. Museo de Arte Moderno, en Nueva York.

Las magistrales Formas Únicas de Continuidad de Boccioni, en el Museo de Arte Moderno de Nueva York, crean una escultura sobrehumana que encarna la fuerza y la estructura de la cabina, mientras parece azotada por el viento. El original fue creado en yeso. Una producción artística más reciente no fue fundida en bronce hasta después de la muerte del artista.

Lea el artículo completo sobre el futurismo

Dadaísmo (1916-1924)

El dadaísmo comenzó en Zúrich, Suiza, en 1916. Posteriormente se extendió a Alemania, Francia y Estados Unidos. La infame “escultura” Fuente de 1917 de Marcel Duchamp (1887-1986) es un verdadero ejemplo de dadaísmo y objetos confeccionados que bordean el absurdo. Comprar tomando un urinario y colocándolo sobre su espalda, luego firmándolo, provocó mucho debate sobre lo que podría considerarse arte.

La artista alemana Hannah Höch, (1889-1978), creó fotomontajes combinando imágenes que al principio parecían poco halagadoras, pero que narraban narrativas sobre el feminismo en la era moderna.

Otros artistas modernos destacados incluyeron al artista alemán/francés Jean Arp (1886-1966) y al austriaco Raoul Hausmann (1886-1971).

Lea el artículo completo sobre el dadaísmo

Surrealismo (1924-1950)

Originalmente miembro del grupo dadaísta , el artista francés André Breton (1896-1966) inició el movimiento surrealista en Nueva York en 1924. Se centró en el collage y el grabado, mientras escribía varios libros.

Surrealismo proviene de la palabra francesa que significa “súper realidad”. Breton definió el surrealismo como «el automatismo psíquico en estado puro, mediante el cual se propone expresar -verbalmente, por medio de la palabra escrita, o de cualquier otra manera- el funcionamiento real del pensamiento».

Estos artistas modernos experimentaron en obras de arte basadas en el subconsciente y los sueños. La persistencia de la memoria (1931) de Salvador Dalí (1904 –1989) en el Museo de Arte Moderno de Nueva York establece relojes derretidos en un paisaje que parece de otro mundo. Aquí el tiempo no importa.

Birthday ( 1942) es un autorretrato de la artista estadounidense Dorothea Tanning (1910-2012) realizado para su cumpleaños número 30, con imágenes de fondo de su mente inconsciente e ideas sobre el curso de la vida y los cambios dentro de uno mismo. Eine Kleine Nachtmusik (1943) es una de sus obras de arte más famosas. La pintura que cuelga en la Tate Modern de Londres está ambientada en un espeluznante pasillo de hotel, donde un girasol gigante está roto y desgarrado. Una niña y una muñeca de tamaño natural están aterrorizadas por la exhibición.

El asesino amenazado. 1927. René Magritte. El Museo de Arte Moderno, Nueva York.
El asesino amenazado. 1927. Rene Magritte. El Museo de Arte Moderno, Nueva York.

 

Las obras del artista surrealista de origen belga René Magritte (1898–1967) plantean muchas preguntas sin revelar respuestas. Continuamente aparecen imágenes comunes, como pipas, bombines, el cielo azul y manzanas verdes. En The Menaced Assassin , una mujer desnuda yace en un sofá, con la garganta cortada. Mientras tanto, un hombre ignora tranquilamente la situación, mientras toca un fonógrafo. Dos detectives, ambos con traje y bombín, están parados contra una pared justo afuera de la habitación. Uno sostiene un bastón y el otro una red. Tres cabezas que se balancean afuera miran por la ventana. ¿Cómo terminó esta mujer aquí?

 

Fotografía de René Magritte, frente a su cuadro El Peregrino.
Fotografía de René Magritte, frente a su cuadro El Peregrino.

Al igual que Marcel Duchamp, pero con una producción artística más reciente, la artista suiza nacida en Alemania Meret Oppenheim (1913 – 1985) tomó objetos confeccionados para armar su pieza escultórica titulada Object (Le Déjeuner en fourrure), también en el Museo de Arte Moderno de Nueva York. La obra surrealista pide a los espectadores que imaginen cómo sería sostener una taza de té cubierta con piel de gacela china.

Expresionismo abstracto (1940-1950)

El expresionismo abstracto fue un período del arte estadounidense entre 1940 y 1950, que estuvo influenciado por estilos europeos anteriores, incluidos el fauvismo y el surrealismo, de los cuales tomó la noción de creación subconsciente.

En su obra al óleo sobre lienzo titulada Autumn Rhythm: Number 30 (1950) que se exhibe en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, el artista Jackson Pollock (1912-1956) agrega pintura negra, blanca y beige. Estos colores se superponen para dar una imagen de movimiento constante, a través de líneas de varias longitudes y grosores, tanto curvilíneas como rectas. El trabajo de Jackson, Blue Poles (1952) en la Galería Nacional de Canberra, Australia, contiene fragmentos de vidrio e incluso huellas.

El pintor holandés estadounidense Willem de Kooning (1904-1997) prefería pintar figuras humanas distorsionadas, particularmente de mujeres, que se mezclaban con el fondo, como Mujer sentada (1940) en el Museo de Arte de Filadelfia.

Otros expresionistas abstractos notables incluyeron a los artistas estadounidenses Helen Frankenthaler (1928-2011) y Mark Rothko (1903-1970), junto con el artista canadiense Jean-Paul Riopelle (1923-2002).

Lea el artículo completo sobre el expresionismo abstracto

Arte pop (1950-1960)

El arte pop, que comenzó a fines de la década de 1950 en Inglaterra y se extendió a los Estados Unidos, es considerado por los historiadores del arte como el último movimiento influyente en el arte moderno. El Pop Art celebró el consumismo y los objetos cotidianos se convirtieron en temas de obras de arte.

El artista estadounidense Andy Warhol (1929-1987) hizo referencia a bienes comerciales producidos en masa con sus latas de sopa Campbell . Cada uno de los 32 lienzos representan un sabor.

El artista pop Roy Lichtenstein (1923-1997) agregó puntos Ben-Day en sus lienzos, una técnica de impresión utilizada para crear tiras cómicas. Su trabajo ¡Whaam! (1963) en la Tate Modern de Londres trasplanta imágenes de guerra a dibujos animados.

Leer el artículo completo sobre el arte pop

Arquitectura moderna

El arquitecto suizo-francés Le Corbusier (1887-1965) usó influencias de la tecnología moderna, como aviones, trenes y automóviles para sus obras arquitectónicas. El arquitecto diseñó Villa Savoye (1929) con hormigón y vidrio, en estilo internacional, utilizando Five Points of Architecture. Le Corbusier usó pilotes o pilotes de hormigón armado para levantar la estructura, un plano de planta abierto, ventanas de cinta y un jardín en la azotea.

Villa Savoye, Poissy, Francia
Villa Savoye, Poissy, Francia

 

Villa Savoye Rampa exterior al segundo piso
Villa Savoye Rampa exterior al segundo piso

 

El famoso arquitecto estadounidense Frank Lloyd Wright (1867-1959) construyó Fallingwater , su obra maestra de la arquitectura Prairie Style, en Pensilvania, en 1937. Fallingwater tiene líneas alargadas, que se mezclan con la naturaleza que lo rodea. Logró esto limitando la paleta de colores a ocre y rojo en función del entorno de la roca natural. Las habitaciones llenas de ventanas permitían vistas al exterior.

La decadencia de la era moderna

El arte moderno comenzaría a declinar dando paso al arte posmoderno y al arte contemporáneo.

Movimientos y estilos de arte moderno

Términos relacionados con el arte

Impresionismo Artistas

  • Édouard Manet (1832-1883) Francés
  • Claude Monet (1840-1926) Francés
  • Pierre-Auguste Renoir (1841-1919) Francés
  • Camille Pissarro (1830-1903) Francés
  • Alfred Sisley (1839-1899) Francés
  • Édgar Degas (1834-1917) Francés

Artistas del postimpresionismo

  • Vincent van Gogh (1853 – 1890) Holandés
  • Paul Cézanne (1839 -1906) Francés
  • Paul Gauguin (1848 -1903) Francés
  • Georges Seurat (1859- 1891) Francés

Artistas del fauvismo

  • Henri Matisse (1869 -1954) Francés
  • André Derain (1880-1954) Francés

Artistas del Expresionismo

  • Ernst Ludwig Kirchner (1880 -1938) Alemán
  • Fritz Bleyl (1880 -1966) alemán
  • Erich Heckel (1883 -1970) alemán
  • Karl Schmidt-Rottluff (1884 –1976) Alemán
  • Wassily Kandinsky (1866 –1944) Ruso
  • Franz Marc (1880-1916) Alemán
  • Gabriele Münter (1877-1962) alemán

Artistas del cubismo

  • Pablo Picasso (1881-1973) Español
  • Jorge Braque (1882-1963)

Artistas del futurismo

  • Filippo Tommaso Marinetti (1876 – 1944) italiano
  • Umberto Boccioni (1882- 1916) italiano
  • Carlo Carrà (1881-1966) italiano
  • Giacomo Balla (1871 -1958) italiano
  • Gino Severini (1883 –1966) italiano

Artistas del dadaísmo

  • Marcel Duchamp (1887-1986) Francés
  • Hannah Höch (1889 -1978) alemana
  • Jean Arp (1886 -1966) alemán/francés austriaco
  • Raoul Hausmann (1886-1971) Austriaco

Artistas del Surrealismo

  • André Breton (1896- 1966) Francés
  • Salvador Dalí (1904 -1989) Español
  • Dorothea Tanning (1910-2012) Estadounidense
  • René Magritte (1898-1967) belga
  • Meret Oppenheim (1913-1985) Alemana/ Suiza

Artistas del expresionismo abstracto

  • Jackson Pollock (1912-1956) Estadounidense
  • Willem de Kooning, (1904-1997) Holandés
  • Helen Frankenthaler (1928-2011) Estadounidense
  • Mark Rothko (1903-1970) Estadounidense
  • Jean-Paul Riopelle (1923 -2002) canadiense

Artistas del arte pop

  • Roy Lichtenstein (1923-1997)
  • Andy Warhol (1929-1987) Estadounidense