¿Qué es el Op Art?
Op art es una forma de arte visual abstracto que utiliza formas geométricas para crear ilusiones ópticas. El término «Op Art» es la abreviatura de arte óptico. Con el comienzo del movimiento formal en la década de 1960, los artistas op exploran las teorías de la óptica, la percepción y la teoría del color mediante la creación de patrones geométricos que crean ilusiones ópticas y, a menudo, dan al espectador la impresión de que la obra de arte está de alguna manera en movimiento.
Obra de arte notable
Historia del arte óptico
Las ilusiones ópticas se remontan a la antigua Grecia y se utilizaron para explorar las complejidades de la visión humana y la mente humana. Las imágenes ocultas eran una forma popular de ilusión óptica, especialmente en el siglo XIX, cuando los científicos estaban particularmente interesados en la mecánica de las ilusiones visuales. Más tarde, las ilusiones ópticas se hicieron populares en la sociedad como una forma de entretenimiento y se usaban casualmente entre amigos, en libros y revistas, e incluso en producciones teatrales. Finalmente, las ilusiones ópticas se abrieron paso en el mundo del arte.
El uso de ilusiones ópticas en el arte moderno y el arte contemporáneo a menudo se denomina arte óptico. El arte óptico era una forma de arte abstracto que inicialmente fue popular en la ciudad de Nueva York y la mayoría de los países europeos, y luego se expandió a América del Sur. El término Op Art se acuñó oficialmente en 1964 en relación con los principales desarrollos en el movimiento op art. La revista Time acuñó Op Art como una forma de arte específicamente no objetivo, o arte abstracto, que utilizaba el ilusionismo pictórico para producir ilusiones ópticas. Al principio, a muchos críticos de arte no les gustaba el arte óptico por su estética gráfica, casi comercial.
Como cualquier otro movimiento artístico, las técnicas y el estilo centrales del arte óptico se desarrollaron con el tiempo y con la inspiración de movimientos de arte moderno anteriores. El neoimpresionismo, el cubismo, el futurismo, el constructivismo y el dadaísmo sirven como precursores del movimiento Op Art. Cada movimiento tenía su propio tratamiento único de color y forma que finalmente se combinaron para influir en el arte óptico.
Artistas como Francis Picabia, Victor Vasarely y John McHale habían estado haciendo pinturas ópticas, lo que luego se describiría como obras de arte óptico, desde los años veinte y treinta. Obras como Optophone I de Francis Picabia de 1921-22 y la pintura Zebras de Victor Vasarely de 1938 son ejemplos del aspecto característico del op art: bandas de líneas en blanco y negro que parecen salir de la pintura y entrar en el espacio del espectador mientras que simultáneamente flotan hacia atrás en el avión de imagen Crear este sentido ambiguo de profundidad espacial desorientaría la percepción del espectador de lo que está en primer plano y lo que está en segundo plano.
Trompe-l’œil , la técnica de representar objetos como si existieran en un espacio tridimensional, también tuvo una influencia particularmente fuerte a pesar de su representación históricamente hiperrealista del tema. Artistas dadaístas y surrealistas como Marcel Duchamp y Salvador Dalí utilizaron trampantojos e ilusiones ópticas en sus fotografías, pinturas e incluso esculturas.
El arte óptico a veces se denomina arte perceptivo o arte retiniano porque crea una experiencia visual basada en cómo funciona la visión humana. La ilusión de movimiento y la interacción de los colores eran aspectos clave del arte óptico porque podían combinarse para explorar la capacidad del arte de desafiar la noción de percepción a nivel fisiológico. Mientras que otros movimientos desafiaban los límites de la percepción conceptual, o la comprensión de múltiples conceptos dentro y más allá de una obra de arte, los artistas op desafiaron lo que los espectadores realmente vieron en el arte.
A fines de la década de 1960, el éxito del op art alcanzó su punto máximo a pesar de la desaprobación de los críticos que consideraban que el movimiento era trivial. En 1965, el Museo de Arte Moderno realizó una exposición llamada The Responsive Eye , cuya variedad de pinturas representaba el arte óptico como una intersección entre el arte y la ciencia.
Desarrollos posteriores en Op Art
Si bien el op art comenzó como un movimiento en la pintura óptica, artistas como el fotógrafo húngaro László Molohy-Nagy produjeron fotografías con el mismo estilo. Moholy-Nagy también enseñó op art fotográfico en la Bauhaus, la escuela alemana fundada por Walter Gropius, e influyó en muchos fotógrafos para que continuaran con este estilo. La Bauhaus fue una parte importante del establecimiento de la relación entre el arte óptico, la investigación psicológica y la obra de arte y el diseño unificados y funcionales.
El arte cinético es un movimiento artístico muy relacionado con el op art. La principal diferencia entre los dos movimientos es que el arte cinético generalmente usa formas tridimensionales para crear ilusiones, mientras que el arte óptico crea la ilusión de tridimensionalidad en una superficie bidimensional. Los artistas cinéticos también presentan obras unificadas como expresiones cinéticas basadas en ilusiones ópticas.
Los efectos gráficos y de color del arte óptico finalmente lo hicieron popular en contextos comerciales, como la publicidad, lo que provocó una caída en la popularidad en el mundo del arte en 1968. Sin embargo, los artistas y arquitectos continuaron explorando los efectos ópticos y la mente humana. Debido a su ubicación casi matemática de líneas y formas, el arte óptico también atrae a los artistas y espectadores contemporáneos. El uso de medios digitales en la producción de arte amplió las posibilidades del arte óptico para crear ilusiones ópticas que siguen fascinando a los espectadores de todo el mundo.
Técnicas de arte óptico
El arte óptico a menudo combina elementos claramente diferentes para crear un marcado contraste entre el primer plano y el fondo de una obra de arte. El uso de líneas en blanco y negro y patrones abstractos para crear abstracción geométrica es una de las formas más populares en que los artistas crean op art. Por lo general, las líneas en blanco y negro se disponían muy cerca unas de otras, a menudo creando una imagen posterior de ciertos colores que parecían vibrar o parpadear dentro y fuera. En el op art, los espacios positivos y negativos se complementan entre sí y son igualmente importantes para la creación del fenómeno óptico y luminoso.
En Teoría de los colores , el científico alemán Johann Wolfgang von Goethe sostiene que la ilusión del color aparece en el borde donde se encuentran la luz y la oscuridad porque la luminosidad y la oscuridad son dos propiedades fundamentales en la creación del color [1]. Es por eso que nuestras retinas perciben que hay color en la intersección de líneas repetidas en blanco y negro y formas geométricas como cuadrículas en blanco y negro.
Si bien el arte óptico en blanco y negro fue más popular al principio del movimiento, artistas como Bridget Riley, Julian Stanczak y Richard Anuskiewicz eventualmente comenzaron a crear colorido arte óptico. Los artistas a menudo usaban colores complementarios en el arte óptico basado en colores porque los colores complementarios (colores opuestos entre sí en la rueda de colores) crean un contraste vívido y simultáneo. Este contraste se utilizó para crear profundidad en una composición y producir una gama más amplia de efectos en el ojo que las obras en blanco y negro. Obras como Kezdi-Ga de 1970 del artista op francés húngaro Victor Vasarely utilizan el color para crear una ilusión más intensa de formas y espacios tridimensionales. La forma arquitectónica de toda la composición parece sobresalir de la superficie del papel y hacia el espectador.
Referencias
[1] Von Goethe, Johann Wolfgang. (1810, 1970). La teoría del color de Goethe. Londres: Nuevo conocimiento.
Artistas ópticos notables
- Bridget Riley, b. 1931, inglés
- Richard Anuskiewicz, 1930-2020, estadounidense
- Josef Albers, 1888-1976, alemán
- Richard Allen, 1933-1999, inglés
- John McHale, 1922-1978, inglés
- Vera Molnar, n. 1924, húngaro
- Victor Vasarely, 1906-1997, húngaro-francés
- Frank Stella, b. 1936, estadounidense
- Jean-Pierre Yvaral, 1934-2002, francés
- Jesús Rafael Soto, 1923-2005, venezolano
- Carlos Cruz-Diez, 1923-2019, venezolano
- Larry Poons, b. 1937, estadounidense
- Jeffrey Steele, 1931-2021, inglés
Términos relacionados con el arte
- Arte Abstracto
- Minimalismo
- trampantojo
- Ilusión óptica
- Arte cinético
- Divisionismo
